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Educación, Universidades y Sostenibilidad
30 de noviembre del 2006 - 00:00

I Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias T E N E R I F E

* La recuperación del Espacio Cultural El Tanque, donde el chileno Alfredo Jaar ha preparado una instalación específica, supone uno de los hitos de la programación de la Bienal en la capital tinerfeña * La Laguna se convierte en lugar para la puesta en común de culturas al abrir las puertas de sus edificios más históricos y emblemáticos para mostrar las obras de artistas árabes y europeos. * En paralelo al programa artístico de Tenerife, se desarrollará en la ULL el I Simposio Internacional. África, América y Europa. Arte y Paisaje Social: por una cultura sostenible, con la participación de expertos de todo el mundo.

La I Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias, organizada por el Gobierno Autónomo, llega a Tenerife situándose en una veintena de espacios con obras de 27 artistas. Además, la Isla se perfila como el contexto idóneo para la celebración de un simposio internacional que unirá África, América y Europa bajo el título Arte y Paisaje Social: por una cultura sostenible. Santa Cruz y La Laguna acogen gran parte de las muestras seleccionadas para Tenerife, si bien la Bienal llega a otros municipios del norte y sur cubriendo así gran parte de la geografía insular.

En este amplio espectro de creadores y espacios por el que se extiende la programación de la sección de Arte, se encuentra la mayoría de las manifestaciones artísticas que pueden formar parte de una Bienal de estas características: fotografía, pintura, escultura, vídeo-creaciones, instalaciones site-specific e intervenciones urbanas de diversa índole. Todas ellas en convivencia con el paisaje, integrándose en singulares espacios, interiores y exteriores, del territorio tinerfeño que van desde el más valioso monumento histórico-artístico hasta una guagua urbana, pasando por lugares concebidos especialmente para el arte o terminales aérea y marítima.

Simposio Internacional de Arte y Paisaje Social

A partir del 27 de noviembre en la Universidad de La Laguna se desarrollará el I Simposio Internacional. África, América y Europa. Arte y Paisaje Social: por una cultura sostenible. A lo largo de estas jornadas, que se desarrollarán hasta el 1 de diciembre en la Facultad de Ciencias de la Información (Campus de Guajara), se analizará la vocación de Canarias como plataforma tricontinental y el papel del Archipiélago respecto a estos territorios, que estarán personificados a través de una significativa representación de arte actual. Se ahondará, por tanto, en la escena contemporánea europea, magrebí, subsahariana y latinoamericana mediante encuentros teóricos con prestigiosos especialistas.

En la sesión inaugural de este Simposio intervendrá Catherine David, reconocida experta internacional en cultura árabe. La situación del Magreb será el eje central de la segunda jornada (martes 28), en la que intervendrán los expertos Mahi Binebine, Bassam El-Baroni, Abdellah Karrom, Abdelwahab Meddeb y Ursula Biemann, artista ésta última que participa también en una de las muestras colectivas de esta Bienal. El tercer día (miércoles 29) la atención se centrará en el África subsahariana, con las ponencias de Manthia Diawara y Salah Hassan, así como de Alfredo Jaar y Kendel Geers, que en paralelo exponen sus obras en diferentes ubicaciones de la Bienal en Santa Cruz.

La cuarta sesión (jueves 30) pone la mirada al otro lado del Océano para analizar cuestiones artístico-sociales de América Latina, a través los analistas Ticio Escobar, Ángel Kalenberg, Mª Inés Rodríguez, Ana Tiscornia y Yolanda Wood. Y, por último, la jornada de clausura se queda en el viejo continente con el análisis de la cultura europea después del Bienestar, mediante las intervenciones de Remo Guidieri, Ángel Mollá, Joan Nogué, Joaquín Sabaté y Ramón Salas.


La Laguna: punto de encuentro de artistas árabes y europeos

El itinerario por La Laguna continúa por otros edificios históricos de la ciudad, como el Instituto Cabrera Pinto, que ha inspirado la instalación site-specific del artista egipcio Mahmoud Khaled aprovechando su propia arquitectura para introducir elementos de la cultura islámica, que podrá visitarse hasta el mes de febrero. La siguiente parada es en el Antiguo Convento de Santo Domingo, donde se muestra hasta el 22 de diciembre una vídeo-instalación de la finesa Elja-Liisa Ahtila, basada en un hecho biográfico y que consta de cuatro proyecciones simultáneas en diferentes ubicaciones.

Con otro emblemático edificio de Aguere, la Casa de los Capitanes, se completa el recorrido por La Laguna. La actual sede del Centro Internacional para la Conservación del Patrimonio constituye la situación adecuada para la construcción del marroquí Younès Rahmoun, que permanecerá también hasta el 22 de diciembre. La obra, titulada Hoyra, pretende invitar al espectador a la meditación y al reposo y es fruto de las reflexiones del artista árabe sobre la experiencia de habitar en el mundo presente. El mismo edificio alberga dos obras de la suiza Ursula Biemann que tratan de analizar el fenómeno de las migraciones: una instalación construida con distintas imágenes fotográficas y texto impreso y el vídeo Guns and Slyness. También la vídeo-creación estará presente en la Casa de los Capitanes de la mano del holandés Eelco Brand que participa en esta Bienal con dos proyecciones: R.movi y V.movi.


Inauguración en El Tanque

La Bienal de Canarias se inaugurará de forma oficial en Tenerife en el Espacio Cultural El Tanque, en un acto que tendrá lugar este lunes 27 a las 21:00 horas y que coincide con la reapertura de este espacio que se incorpora de nuevo al circuito cultural de la Isla. Precisamente, la Bienal otorga una oportunidad especial al destino cultural de El Tanque: en este singular enclave se ha basado el chileno Alfredo Jaar para crear su instalación específica Escalera al cielo. La obra se enmarca en la tendencia de este artista de plantear reflexiones sobre los problemas derivados de la desigualdad en la sociedad actual, todo ello a partir de dispositivos de imagen y sonido. La música acompañará la presentación de esta obra, en el mismo marco inaugural, de la mano del angoleño Mario Rui Silva que ofrecerá un recital acústico.


Santa Cruz: pasado, presente y futuro en ocho espacios

El recorrido de la Bienal por la Isla nos sitúa en la capital y cerca del mar. Allí, en la Antigua Estación del Jet-foil convertida en un black box, dos artistas egipcias, Hala Elkoussy y Amal Kenawy, exhibirán hasta el próximo 10 de febrero sus últimas vídeo-creaciones, Pheripheral Stories y The Room, respectivamente.

También en Santa Cruz serán las principales salas de arte de la ciudad, entre otros espacios, las que tomen el rumbo de la Bienal por la capital. El Centro de Arte La Recova acoge, hasta la tercera semana de diciembre, una muestra colectiva de seis artistas que incluye fotografía, pintura, vídeos e instalaciones. El argelino Adel Abdessemed presenta dos vídeos en los que se sirve de acciones impactantes para abordar cuestiones como la libertad de expresión, la propaganda política o la violencia. La pintura está presente en esta exposición a través de las obras del canario Fernando Álamo, que muestra parte de una de sus series en las que hace uso constante de la representación pictórica de rosas como elemento de expresión.

El marroquí Thami Benkirane y la venezolana Sara Maneiro son los dos artistas que muestran obras fotográficas en La Recova. A través de seis dípticos, Benkirane trata de transformar espacios urbanos deteriorados de una ciudad marroquí mediante la fantasía y la ornamentación de los mismos. Por su parte, Sara Maneiro ofrece parte de su serie Souvenirs (Cartografía en proceso), que ella misma define como un trabajo de investigación de diferentes espacios urbanos.

La muestra colectiva de La Recova se completa con dos instalaciones. Una de ellas de la artista canaria Carmela García que plantea cuestiones del género femenino en Contornos I y II, construida a partir de fotografías y vídeos. La otra instalación corresponde al madrileño Mateo Maté. Su obra Desubicado, protagonizada por un barco construido de madera, trata de establecer con el espectador un diálogo sobre la ausencia, la memoria y la emoción.

El siguiente punto de encuentro con la I Bienal de Canarias en la capital tinerfeña está en la Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias, ubicada en el Museo de Bellas Artes de Santa Cruz. Allí se ofrece otra muestra colectiva que esta vez pone la mirada en la "octava isla", con la exhibición de las obras videográficas de tres artistas venezolanos: Alexander Apóstol, Sergio Brito y Javier Téllez. El tema central es el fenómeno migratorio, sugiriendo el análisis de la actualidad al respecto, pero tomando como punto de partida hechos autobiográficos. Estas vídeo-creaciones se proyectarán hasta que finalice la Bienal, en el mes de febrero.

Otro emblemático espacio para el arte de Santa Cruz, la Sala Los Lavaderos, también forma parte de esta Bienal. Su interior acoge la muestra fotográfica de la canaria Karina Beltrán, que con su serie Apariciones plantea algunas de las preocupaciones del ser humano como su soledad, aislamiento, temores y miedos. Asimismo, en el exterior de la sala y durante la semana inaugural, interviene la artista sudafricana Ruth Sacks, con un diseño específico para esta Bienal denominado Artificial Moonlights, una instalación en la que hace uso del juego de luces como elemento de expresión artística.

Junto a las salas destinadas al arte adquieren protagonismo en la programación de Santa Cruz, del 25 de noviembre al 22 de diciembre, espacios de otra índole que forman parte de la historia de la ciudad. Tal es el caso del Castillo Negro y la Casa de la Pólvora, en el barrio de Cabo Llanos. Dos construcciones militares de los siglos XVII y XVIII levantadas casi sobre mar que son escenario de diferentes instalaciones. La Casa de la Pólvora es el espacio para la creadora iraní Shirin Neshat. Sus obras, como la vídeo-instalación Tooba que aquí se muestra, atienden a un principio de selección al plantear situaciones antagónicas humanas, sociales y antropológicas que obligan al espectador a tener que elegir uno de los dos puntos de vista.

Muy cerca, en el Castillo Negro, han preparado un montaje de luz y sonido la pareja de artistas Salomé Cuesta y Bárbaro Miyares, un proyecto concebido especialmente para este enclave que se basa en una serie de imágenes captadas por cámaras situadas en el perímetro del edificio (en el que se incluyen el Parque Marítimo o el Auditorio de Tenerife). Todo ello bajo la idea de vigilancia, el mismo objetivo por el que hace cuatro siglos fuera levantada la fortificación. En el exterior del Castillo el sudafricano Kendel Geers ha preparado su instalación específica para esta ubicación, Broken English, que hace referencia directa a la condición de la Isla como lugar de llegada de cada vez más inmigrantes procedentes de África.

Intervenciones urbanas: la propia ciudad como escenario

Además de las muestras e instalaciones ubicadas en todos estos espacios arquitectónicos, la propia ciudad de Santa Cruz se muestra como escenario para determinadas acciones artísticas. Tal es el caso de la publicidad y el graffiti, dos géneros asociados desde siempre con la cotidianeidad de las urbes que llegan a la Bienal a través de las intervenciones de tres artistas. El malagueño Rogelio López Cuenca se sirve de diez soportes publicitarios de Santa Cruz, cuya función natural es atraer al público, para crear y lanzar mensajes e imágenes que lleven a la reflexión sobre muchos asuntos preocupantes o conflictivos del mundo actual, a los que difícilmente se podría dedicar una campaña publicitaria si no es a través de una propuesta artística de esas características. Esta expresión urbana podrá contemplarse hasta el día 5 de diciembre.

Además, dos de los graffiteros más reconocidos y prolíficos de las calles de Nueva York, Mosco y Noxer, utilizarán las guaguas urbanas como soporte de sus intervenciones.

Otras intervenciones en el norte y sur de la Isla

El Aeropuerto de Los Rodeos (Tenerife Norte), es el marco en el que el artista cántabro Juan López realiza su intervención, así como en el aeropuerto de Gran Canaria y en un avión que conecta ambas terminales. La creación lleva por título Dale espaciado+Bonus track y es una producción de la I Bienal de Canarias.

Tacoronte y Puerto de la Cruz completan el programa de Arte y Paisaje de la Bienal en Tenerife, con intervenciones de artistas canarios. Fernando Álamo, que también participa en la colectiva de La Recova (Santa Cruz) repite en la Casa Rahn de Puerto de la Cruz. El Castillo de San Felipe, en el mismo municipio, da cobertura a la instalación específica del grancanario José Ruiz. Y el Parque Hamilton de Tacoronte inspira la instalación del tinerfeño Juan Carlos Batista, que también interviene en el sur de la Isla, cerca de El Médano con otra instalación específica.

Diversas acciones de Arquitectura, a partir de enero

Una vez iniciado el año 2007 la I Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias se centrará en su sección de Arquitectura. Tenerife acogerá varias acciones de esta programación como la exposición denominada Difusión de Arquitectura en Canarias que se desplegará Colegio de Arquitectos de Tenerife. Comisariada por Rafael Escobedo de la Riva, la exposición hace un recorrido por la arquitectura de calidad producida en el Archipiélago en los últimos 45 años e iniciará su recorrido en esta Isla trasladándose posteriormente a Caracas y Rabat. Se trata de una antológica del Premio Regional de Arquitectura Manuel Oraá y Arcocha, desde un punto de vista global que supone una gran oportunidad para tener una perspectiva histórica de la Arquitectura Canaria. Todo ello con un enfoque dinámico y didáctico, con el fin de acercar la Historia y la Arquitectura al público en general.

Los días 18 y 19 de enero está prevista la celebración del seminario Islas Móviles en el Auditorio de Tenerife, con la organización del Colegio de Arquitectos de Canarias-Demarcación de Tenerife, La Gomera y El Hierro. El seminario, comisariado por Arsenio Pérez Amaral, tratará sobre un nuevo modelo de movilidad en el territorio insular.

Además, la sección de Arquitectura incluye una programación paralela, también en el mes de enero, dentro de la cual está prevista la exposición Proyectar el paisaje, comisariada por Juan Manuel Palerm. Será en el Barranco de Badajoz, en el municipio de Güímar y en ella participarán 27 grupos de quince universidades pertenecientes a una decena de países europeos, entre los que se encuentran arquitectos, paisajistas, ingenieros y especialistas en Botánica y Agronomía.

LA LAGUNA

Instituto Cabrera Pinto

Instalación de Mahmoud Khaled

* Del 25 de noviembre al 10 de febrero

INSTITUTO CABRERA PINTO. El antiguo convento del Espíritu Santo, fundado por los frailes agustinos llegados Tenerife tras la Conquista, está vinculado desde sus inicios con la actividad educativa, siendo algunos de los religiosos de aquella congregación y otros catedráticos laicos de la institución estandartes de la preilustración canaria y precursores de las siguientes generaciones. El Instituto es heredero de la primera universidad y también primer centro de enseñanzas medias de Canarias. Por sus aulas pasaron una buena parte de los isleños con mayor proyección en la cultura internacional, como Galdós, Tomás Morales o Blas Cabrera. Con tres diferentes reformas a lo largo de su historia, conserva aún buena parte de su antigua arquitectura. El claustro de cantería roja, elogiado por Miguel de Unamuno, es uno de los más bellos de Canarias. Actualmente es propiedad del Gobierno de Canarias y sus dependencias albergan un Museo de Ciencias Naturales, así como la colección de arte entre las que se encuentran obras procedentes del Museo Romántico de Madrid.

MAHMOUD KHALED. Instalación site-specific: Wikislamkitsch (2006)

Mahmoud Khaled (Alejandría, Egipto, 1982. Vive en Alejandría)
La mayoría de sus proyectos giran en torno a la exploración del documento: oficial, social, histórico o personal. Utiliza imágenes de vídeo, objetos encontrados, textos y recursos fotográficos para explorar los límites que existen entre el hombre y el ámbito que lo circunda.
Ha participado en proyectos colectivos como Actual Position (Townhouse Gallery, El Cairo, 2005); The Noubar Project (Mashrabia Gallery, El Cairo, 2004); Insularities (Kunstlerhaus Stuttgart, Alemania, 2005); taller AIWA (Líbano, 2005); y Actual Position (2) (Kulturzentrum NAIRS, Suiza). Destaca su muestra individual 15-minutes of Acting as if I'm in My House (Oberwelt, Stuttgart, 2006).

Wikislamkitsch
El título de esta obra surge de la unión de tres palabras distintas; Wiki, Islam y kitsch. Wiki es la página web que aloja un proyecto de edición colectiva cuyos contenidos y estructura son proveídos y organizados por la comunidad de usuarios anónimos de Internet; una eficaz herramienta para la distribución del conocimiento en la red por todo el mundo. La segunda palabra de la pieza es Islam, en referencia a la cultura y la religión islámica. Y la tercera el concepto del kitsch, un calificativo aplicado a ciertos objetos, imágenes y diseños, ornamentados de forma excesiva, y que sólo en ocasiones surgen desde una intención irónica. El proyecto de Mahmoud Khaled es una intervención específica en distintos elementos de un mismo espacio arquitectónico; los cristales de unas ventanas decorados profusamente con vinilos de diseño kitsch, cuyos diseños ornamentales están basados en las formas tradicionales de la cultura islámica; un tipo de adhesivos muy empleados en los últimos tiempos como moda decorativa en países como Egipto, pero que están fabricados en países asiáticos. Asimismo, en el patio del mismo edificio, una caja de luz, que funciona como display publicitario, presenta un escrito de singular caligrafía árabe, que es la descripción dada en wikipedia sobre el "arte islámico".


Antiguo Convento de Santo Domingo

Vídeo-instalación de Elja-Liisa Ahtila

* Del 25 de noviembre al 22 de diciembre

ANTIGUO CONVENTO DE SANTO DOMINGO. Fundado en 1522 en torno a la antigua ermita de la Concepción, el cenobio de Santo Domingo de Guzmán se levanta anexo a la iglesia homónima en uno de los límites del casco histórico de La Laguna. Su interior, aunque muy reformado respecto a su aspecto original, se estructura básicamente siguiendo los esquemas clásicos de la arquitectura religiosa conventual, en torno a dos patios interiores, uno de los cuales presenta unas dimensiones mayores con un corredor sencillo en su entorno. En la actualidad sus dependencias están ocupadas por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento lagunero y otras dependencias se prevé estén destinadas al futuro Museo de Antropología.

ELJA-LIISA AHTILA. Video-instalación: The hour of prayer (2005)

Eija-Liisa Ahtila (Hämeenlinna, Finlandia, 1959. Vive en Helsinki).
Estudió cinematografía en Los Ángeles y Londres. Sus instalaciones multipantalla exploran narrativas experimentales sobre los perturbadores dramas humanos que gobiernan las relaciones personales.
Ha expuesto su obra, entre otros, en Documenta II (Kassel, 2002); Tate Modern (Londres, 2002); San Francisco Museum of Modern Art (2003); la Bienal de Busan (Corea del Sur, 2004); Mori Art Museum (Tokio, 2005), la 51ª Bienal de Venecia (2005), Marian Goodman Gallery (Nueva York, 2006).

The hour of prayer
The Hour of Prayer es un relato en vídeo que se origina a partir de un hecho que pertenece a la biografía de la artista; la muerte de un perro que tiene lugar durante un invierno en Nueva York, y que termina de narrarse once meses más tarde en la ciudad de Benin, al oeste de África. Un monólogo a medio camino entre sueño y realidad, cuidadosamente editado, y que se presenta como una instalación de cuatro proyecciones simultáneas pero diferenciadas en el espacio de exhibición. Un particular modo de confrontar imagen y narración, muy presente en piezas anteriores de esta creadora, a través de obras que exploran los "dramas humanos", de películas que reflexionan en torno a las relaciones personales y de la percepción de las pasiones más básicas del individuo, así como su relación con el Otro y el afuera. Partiendo del análisis psicológico de los protagonistas de sus películas, Ahtila hace de lo aparentemente anecdótico un espacio singular y "sagrado" desde el que analiza los límites difusos entre realidad y ficción. La identidad, las conductas sociales, las reacciones extremas del individuo, o la fragilidad y vulnerabilidad de la mente humana, son tan sólo algunos de los intereses de sus obras. Trabajos donde se confunde lo objetivo del documental con el realismo mágico, y que alteran cualquier convención sobre la percepción de la imagen, mediante la ruptura con la linealidad del lenguaje audiovisual.



Casa de los Capitanes

Construcción de Younés Rahmoun, instalación y vídeo de Ursula Biemann y vídeos de Eelco Brand

* Del 25 de noviembre al 22 de diciembre

LA CASA DE LOS CAPITANES, declarada en 1981 Monumento Histórico Artístico, es actualmente la sede del Centro Internacional para la Conservación del Patrimonio. El edificio, recientemente reestructurado, es un claro ejemplo del mejor estilo canario con una portada y huecos labrados en toba roja del país. En su interior preside un hermoso patio con ocho columnas de piedra y una tanquilla hexagonal en el centro. Construida a instancias del capitán general Diego de Alvarado-Bracamonte en el primer tercio del siglo XVII, esta mansión perteneció posteriormente a los marqueses de la Breña y a los de Mejorada. Durante el siglo XVIII residieron en ella algunos capitanes generales.

YOUNÉS RAHMOUN. Construcción: Hoyra (2006)

Younès Rahmoun (Tetuán, Marruecos, 1975. Vive en Tetuán)
De comprometido contenido espiritual, su trabajo ¿en performances, vídeos y estructuras arquitectónicas- se alimenta de la tradición sufí reflexionando sobre la experiencia de "estar" en el mundo.
Ha participado en la Bienal de Singapur de 2006 y en la de Dakar de 2004. Ha tenido exposiciones individuales en l'Appartement 22 (Rabat, 2003) y en el Museo de Artes Decorativas de París (1999).

Hoyra
Hoyra ¿que se traduce como habitación, cámara- es una construcción en madera localizada en la Casa de los Capitanes de La Laguna en Tenerife. Un edificio de pequeñas dimensiones, de proporciones humanas, que hace las funciones de "capilla" improvisada para el espectador que se acerca a la muestra. Un espacio "ideal" de meditación y reposo orientado hacia La Meca, y cuyo interior está asimismo cuidadosamente iluminado por una fuente de luz cenital. Un templo portátil, trasplantable y precario, que como otras estructuras arquitectónicas planteadas por Younes Rahmoun, reflexiona acerca de lo que supone la experiencia de habitar en el mundo presente, y en la búsqueda y redefinición continua de la noción de identidad. Muy influenciado por un discurso espiritual que deriva de la tradición suffí, el trabajo de este artista -performances, vídeos, dibujos e instalaciones- se alimenta de elementos religiosos de carácter autobiográfico para dar forma a estructuras que, bajo una aparente simplicidad formal, recubren intrincadas estancias y recorridos discursivos complejos.

EELCO BRAND. Dos vídeos: R.movi (2005) y V.movi (2003)

Eelco Brand (Rótterdam, Holanda, 1969. Vive en Ámsterdam)
Su trabajo está centrado en el vídeo como vehículo de expresión. Tomando como punto de partida la propia naturaleza, sus animaciones digitales ponen en movimiento imágenes de gran pictoricismo, con ritmo sutil y lento. Uniendo un gran conocimiento del comportamiento de la pintura y las técnicas más avanzadas de la animación 3D, crea fragmentos de paisajes o escenas donde no ocurre nada, donde no hay narración, siendo el movimiento del objeto ¿flores, hierba, árboles o animales¿ quien asume el verdadero protagonismo.
Ha realizado exposiciones individuales en Manchester, Breda, Milán, Nueva York, Utrecht, León y Calais.

R.movi y V.movi
Eelco Brand presenta sus obras en el espacio de la Casa de los Capitanes de La Laguna en Tenerife; dos proyecciones de vídeo que recogen imágenes de paisajes casi estáticos, y donde "nada" sucede; a excepción de las variaciones, casi imperceptible, que sufren alguno de los elementos ¿flores, animales, árboles, praderas, agua o hierba¿ que protagonizan las escenas de los vídeos. Tomando como punto de partida la naturaleza, Eelco Brand genera, por medio de un sofisticado sistema de animación digital, imágenes de factura pictórica, que se sitúan a medio camino entre lo ideal y lo real, entre lo que se muestra evidente y lo que permanece oculto, entre lo natural y el artificio, envolviendo la escena con una atmósfera extraña que provoca una confusión segura en el espectador de sus obras. Tanto R movi como V movi, son una sucesión de imágenes "pictóricas", sutilmente animadas con un ritmo lento y una cadencia tranquila, que contrasta fuertemente con la técnica avanzada a partir de la que son originadas, tradicionalmente asociada con la idea de velocidad y la sucesión vertiginosa de imágenes. Un sugerente diálogo que desestabiliza la mirada del espectador a través del gesto mínimo y la "invisibilidad" de la acción.

URSULA BIEMANN. Instalación: Sahara Panels / Vídeo: Guns and Slyness (2006)

Ursula Biemann (Zúrich, Suiza, 1955. Vive en Zúrich)
Artista, teórica y comisaria, ha desarrollado una considerable producción sobre migraciones, movilidad, tecnología y género. Ha expuesto internacionalmente y es autora de varios libros (Been There and Back to Nowhere, 2000; Geography and the Politics of Mobility, 2003; Stuff It - The Video Essay in the Digital Age, 2003). Ha convertido el espacio y la movilidad en motivos principales de su proyecto comisarial Geography and the Politics of Mobility (2003) en Viena. Su trabajo incluye debates con antropólogos, teóricos culturales, miembros de ONGs, arquitectos y estudiosos de la cultura auditiva y sónica.

Sahara Panels / Guns and Slyness
Ursula Biemann viene desarrollado una importante labor de investigación y producción de trabajos que reflexionan en torno al fenómeno migratorio contemporáneo y sus consecuencias más inmediatas; aspectos centrales de proyectos como el titulado Geography and the Politics of Mobility, iniciado en Viena en el 2003 y bajo el que se aglutinan acciones tan distintas como la organización de debates, seminarios y exposiciones, en los que han tomado parte antropólogos, teóricos culturales, miembros de ONGs, arquitectos o artistas. Tanto Sahara Panels ¿una instalación con distintas imágenes fotográficas y texto impreso¿ como Guns and Slyness ¿un trabajo reciente en vídeo¿, abordan estas cuestiones desde casos de estudio concretos; la primera, a través del análisis de las dificultades y riesgos que entraña el viaje emprendido por la población sub-sahariana hacia las costas de las Islas Canarias; la película, en su intento por determinar ¿en un gesto político y poético al tiempo¿ cuál es la siempre compleja y cambiante noción de frontera en el nuevo panorama global. Espacios de reflexión y crítica sobre la precariedad de estos enclaves de tensión y supervivencia, generados en la traducción forzosa de los individuos a contextos hostiles; desde las mujeres maquiladoras de ciudad Juárez, hasta la inmigración africana del estrecho, pasando por el impacto generado por herramientas que como Internet han permitido la "circulación y tráfico" de mujeres desde zonas desfavorecidas hacia el denominado primer mundo.



SANTA CRUZ DE TENERIFE

Antigua Estación del Jet-Foil

Exhibición de los vídeos de Hala Elkoussy y Amal Kenawy

* Del 25 de noviembre al 10 de febrero.

LA ANTIGUA ESTACIÓN DEL JET-FOIL está situada en un muelle de carácter histórico, ocupando una situación privilegiada con la dársena comercial y con el resto de la ciudad de Santa Cruz. Su silueta, junto con otros edificios representativos de la plaza de España, se funde en un mismo entorno. El edificio, proyectado a partir de construcciones ya existentes, es una obra de los arquitectos Antonio Coronas Bosch, Eustaquio Martínez García y Arsenio Pérez Amaral y fue Premio Regional de Arquitectura Manuel de Oraá en la edición 1990-91. Además, resultó seleccionada en la II Bienal de Arquitectura Española.

HALA ELKOUSSY. Vídeo: Peripheral Stories (2006)

Hala Elkoussy (El Cairo, Egipto, 1974. Vive en Ámsterdam)
Ha expuesto sus fotografías y vídeos en Estambul, Dakar, Bamako, El Cairo y en varias ciudades europeas y norteamericanas. En 2003 organizó el programa PhotoCairo Workshop, y en 2004 comisarió, en un apartamento amueblado de la capital egipcia, un proyecto site-specific que reunía a artistas suizos y de su país en el contexto de un espacio doméstico cairota; y The Pick 2, una exposición de artistas jóvenes fotógrafos. Fue cofundadora de Contemporary Image Collective (CiC), una iniciativa independiente de artistas dedicados al trabajo en fotografía y vídeo.

Peripheral Stories
Es el proyecto más reciente de la artista egipcia; un vídeo que tiene como escenario su ciudad natal, El Cairo, y que documenta los vertiginosos y constantes cambios que la urbe está experimentando en los últimos tiempos. Un viaje que se materializa en imágenes fotográficas de paisajes suburbiales de la ciudad, sobre los que se superponen distintos testimonios ofrecidos por sus habitantes, junto a reportajes periodísticos o textos y consignas procedentes de los medios de comunicación y la publicidad. El contraste entre la imagen ideal ¿casi una panorámica romántica¿ de las fotografías mostradas, junto al ritmo frenético impuesto por lo narrado, evidencia la coexistencia obligada entre dos mundos opuestos. Una coincidencia "forzosa" producto de la traducción del contexto dentro de los parámetros de consumo de la sociedad occidental, y su impacto en un entorno desprovisto de la información necesaria para asimilar un movimiento tan brusco. Este particular recorrido ideado por la artista ¿cuya propia deriva biográfica transcurre asimismo entre dos realidades opuestas¿, hace que "historias periféricas" sea un documento singular, sobre la compleja sociedad egipcia actual.

AMAL KENAWY. Vídeo: The room (2006)

Amal Kenawy (El Cairo, Egipto, 1974. Vive en El Cairo)
Licenciada en pintura y escultura por la Facultad de Bellas Artes de El Cairo, también realizó estudios en diseño de moda y cine en el Instituto de Cinematografía ART. Ha colaborado con su hermano Abdel Ghany Kenawy en la creación de catorce proyectos artísticos, incluyendo esculturas, instalaciones, vídeo-instalaciones y performances. Su trabajo configura un espacio propio en el que negocia sus identidades en relación con el mundo que la rodea.
Ha participado en numerosas exposiciones internacionales, varias bienales (Singapur 2006, Dakar 2006 y 2004, Alejandría 2005 y El Cairo 1998), y en festivales de teatro.

The room
The Room es un trabajo en vídeo producto de la colaboración que vienen realizando en distintos proyectos, durante los últimos años, la artista egipcia Amal Kenawy y su hermano Abdel Ghany Kenawy. Un documento que muestra un primer plano de las manos de la artista, enfundadas en delicados guantes de encaje blanco, realizando distintas actividades sobre un pedazo de carne fresca; un corazón que todavía late. En un plano-secuencia continuo, Amal Kenawy "borda" y cose distintos ornamentos sobre la carne, en una acción "dolorosa" y violenta que se reviste con una pátina de ritual desconcertante. El aséptico escenario en el que se desarrolla la escena, donde además la artista se presenta vestida como una novia, aumenta si cabe el desasosiego de lo narrado; un juego de oposiciones constantes entre el comportamiento individual y la práctica social, entre las esfera privada y lo público, o la necesaria y constante redefinición de la identidad. Asimismo, y como en trabajos anteriores de estos creadores, The Room aúna en sus imágenes las estrategias del mundo científico ¿al que pertenece Abdel Ghany-, con las de la práctica artística; ideando proyectos donde se diluyen las barreras entre un territorio considerado como objetivo ¿el de la ciencia¿, con el de la supuesta subjetividad del artista.


Centro de Arte La Recova

Muestra colectiva de Adel Abdessemed, Fernando Álamo, Thami Benkirane, Carmela García, Sara Maneiro y Mateo Maté

* Del 25 de noviembre al 22 de diciembre

CENTRO DE ARTE LA RECOVA. Diseñado por Manuel de Oraá en 1851 sobre el antiguo convento dominico de la Consolación, la corporación local decidió construir una recova para una distribución racional de los nuevos edificios que cumplían funciones de sala de arte. Inaugurado como espacio cultural en 1992, la ciudad recuperó con este edificio el antiguo mercado, convirtiéndose en uno de los centros emblemáticos de Santa Cruz. Actualmente hace las funciones de sala de arte. Cuenta con un patio central cubierto y dos salas menores que crean un espacio versátil en condiciones para la exhibición de

ADEL ABDESSEMED. Dos videos: Talk is cheap (2006) y Birth of love (2006)

Adel Abdessemed (Constantine, Argelia,1971)
Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre las que destacan la muestra individual del artista en Le Plateau de París (2006); Notre Histoire (Palais de Tokio, París, 2006) y Happiness: A Survival Guide for Art and Life (Mori Art Museum, Tokio, 2004). Asimismo, ha sido nominado el Marcel Duchamp Prix, en su edición 2006.

Talk is cheap y Birth of love
Abdessemed pertenece a una generación de artistas que tienen en Francia, y en concreto en su capital, París, el lugar desde donde han comenzado a trabajar de un modo sistemático en torno al análisis de las restricciones asociadas con la cultura occidental ¿islámica¿, y su hibridación; una mezcla que enriquece su percepción pero que no está exenta del conflicto permanente asociado con ambos contextos. Problemáticas sociales y políticas a las que Abdessemed será particularmente sensible por su origen argelino, integrando en su práctica artística ¿vídeos, escritos, dibujos, esculturas o instalaciones¿, elementos íntimamente ligados con ambos territorios, y que ahondan en la lectura crítica y comprometida de lo contemporáneo. Imágenes inquietantes, saturadas de referencias, que hacen del uso y abuso de los límites de lo políticamente correcto su particular estrategia de Tolerancia Zero; como acción enfrentada a los discursos hegemónicos del conflicto. Los dos vídeos que Abdessemed presenta en el contexto de esta primera edición de la Bienal abordan cuestiones como las de la libertad de expresión, la propaganda política o la violencia, a través de acciones directas protagonizadas por un impactante primer plano de un gato que devora a un ratón en plena calle, o un micrófono en bucle que se estampa contra el suelo. Imágenes agresivas que, a pesar de su sencillez, entablan de forma inmediata correspondencias evidentes con cuestiones de difícil resolución.

FERNANDO ÁLAMO. Exposición de pintura

Fernando Álamo (Santa Cruz de Tenerife, 1952. Vive en Las Palmas de Gran Canaria)
Desde 1972 ha realizado exposiciones individuales en Málaga, La Habana, Las Palmas de Gran Canaria, Múnich, Jerusalén y Madrid. Desde 1970 participa en numerosas exposiciones colectivas nacionales e internacionales y en importantes ferias de arte contemporáneo (ARCO, Madrid; Feria de Lisboa; ARTEBA, Buenos Aires; FIA, Caracas; ArtBasel; Arte Fiera, Bolonia.
Su obra figura en multitud de colecciones, de entre las que destacan: Fundación "la Caixa", CAAM, Colección Roland Penrose, Parlamento Europeo, Parlamento de Israel, IODACC, Museo Albertina (Viena) y en colecciones privadas internacionales.

Obras de esta exposición: Flores con bola gaseosa con goteras, Las rosas de P.J. Redouté, Braque's amaryllis, Flores blancas y negras a la manera de Matisse, Rosa rayada, Sin título (negro), Flores negras, 2 Rosas, 8 Rosas, 2 Rosas (bis), 8 Rosas (bis)
Las obras del artista Fernando Álamo son imágenes pictóricas de cuidada factura con un tema repetido de forma casi obsesiva; las rosas. Un trabajo que es reflejo de la trayectoria de un creador, en constante evolución, y que habilita, desde la actividad de la práctica artística, un espacio de reflexión generado por la mirada curiosa del individuo en su aproximación y conocimiento de los elementos de su entorno. Las exposiciones de Fernando Álamo, en el contexto de la Bienal de Canarias, se estructuran en torno a distintas series de cuadros; primeros planos de una flor, casi impresiones, donde se superponen gruesos trazos de formas esquemáticas. Pinturas que son el resultado directo de la acción de depositar la pintura y el pigmento sobre el lienzo, a modo de poso o huella que fija y detiene esa mirada extraña sobre lo cotidiano. La apariencia austera y desprovista de ornamentos de las pinturas, la desnudez de las estructuras compositivas que organizan las imágenes, o la inmediatez de las relaciones que se establecen entre el proceso y la huella, parten de un interés constante por lo particular y concreto.

THAMI BENKIRANE. Seis dípticos fotográficos: Sin Fés: fissures et fascines (2006)

Thami Benkirane (Fez, Marruecos, 1954. Vive en Fez)
Realizó sus estudios superiores en la universidad de Aix-en-Provence, en Francia, donde se inició en la fotografía a través de su Club de Foto. De regreso en Marruecos, en 1984, realizó su primer trabajo sobre el graffiti vegetal, que dio lugar a una serie de exposiciones en Marruecos, Francia y Siria. Desde hace unos años realiza fotografías del desierto con claras influencias del Land Art y, aunque generalmente trabaja la imagen de manera experimental, puntualmente trata algún tema a modo de reportaje. Es profesor en la Facultad de Letras de la Universidad de Fez.

Sin Fés: fissures et fascines
Thami Benkirane presenta una serie de dípticos fotográficos titulados Sin Fès: fissures et fascines; imágenes que forman parte de los espacios cotidianos del artista, y que son escenas urbanas de una ciudad marroquí. Calles y travesías angostas, apuntaladas por estructuras temporales y precarias realizadas en madera, bajo las que transitan diversos viandantes anónimos. Construcciones a partir de las cuales, y por efecto de la luz que las atraviesa, se genera un peculiar paisaje de formas geométricas, de claros y sombras, dando lugar a un entramado "modular" que tapiza las paredes y el suelo, y que convierte estas superficies en espacios delicadamente fragmentados. Efectos e ilusiones que surgen a partir de los elementos más básicos, y que Thami Benkirane congela en su particular aproximación y percepción de algo considerado, a priori, anecdótico. Una atención, casi obsesiva, al detalle, ya presente en obras anteriores del artista; en trabajos de fotografía tempranos sobre el "graffiti vegetal" donde la huella humana impresa en la naturaleza ¿las escarificaciones sobre cortezas de un árbol¿ era protagonista de sus instantáneas. En una práctica artística que, en cierto modo, puede ser calificada como cercana al land-art, Benkirane detiene su mirada en el efecto que surge del gesto más elemental, en lo básico, trasmutando un paisaje deteriorado en un espacio fantástico y mágicamente ornamentado.
Thami Benkirane realizó sus estudios superiores en la universidad de Aix-en-Provence, Francia, donde se inició en la fotografía a través de su "Club de Foto". Sus trabajos han sido expuestos frecuentemente en muestras realizadas en Marruecos, Francia y Siria, entre otros países. Asimismo, en la actualidad, es docente de la Facultad de Letras de la Universidad de Fez.


CARMELA GARCÍA. Instalación: Contornos I y II (2006)

Carmela García (Lanzarote, 1964. Vive en Madrid)
Carmela García ha realizado numerosas muestras individuales y tomado parte en prestigiosas colectivas; entre las que destacan las realizadas en el espacio Uno del MNCARS, Madrid; la galería Juana de Aizpuru, Madrid; Ofelias y Ulises, Bienal de Venecia; o The Real Royal Trip, PS1 de Nueva York y Museo Patio herreriano de Valladolid.

Contornos I y II
La artista canaria residente en Madrid, Carmela García, hace uso principalmente de la imagen fotográfica y el vídeo en la construcción de una obra que tiene en la exploración del imaginario femenino, y en las cuestiones de género, sus temas de reflexión principales. Un cuidado catálogo de espacios habitados casi en exclusiva por mujeres, de paisajes panorámicos y misteriosos ¿interiores y exteriores, naturales y urbanos-, poblados por las protagonistas ideales del imaginario de la creadora, y que conforman un peculiar universo identitario. Instantáneas que congelan momentos triviales, gestos cotidianos, sucesos rutinarios y "silencios", teñidas de un realismo casi mágico que las traslada al estatus de un universo fantástico, hacia su consideración como un "jardín de las delicias" actualizado. La identidad, el deseo, la tristeza, el sufrimiento, el dolor o el amor, se entremezclan en los relatos suspendidos de Carmela García. Una sugerente propuesta que se inicia en la singular mirada de una artista que genera, a través de escenas decididamente ambiguas, un imaginario tan singular como bello y sorprendente.


SARA MANEIRO. Cinco fotografías de la serie Souvenirs (Cartografía en proceso) (2005)

Sara Maneiro (Caracas, 1967. Vive en Caracas)
Fotógrafa y comunicadora social, estudió fotografía con Ricardo Armas e hizo una maestría en Arte en la Universidad de Nueva York. Desde 1989 participa en diferentes colectivas internacionales de La Habana, Montevideo, Caracas, Washington, Houston, Filadelfia, México DF, entre otros. Ha presentado dos muestras individuales: en la 80 Washington Square Gallery (Nueva York, 1993) y en la Sala Mendoza (Caracas, 1997). Su obra está presente en importantes colecciones como la Colección Cisneros y Museo de Bellas Artes, Caracas; Ateneo de Valencia; Throckmorton Fine Arts y Art Omi International Arts Center, Nueva York; North Dakota Museum of Art; o Casa de las Américas, La Habana.

Souvenirs (Cartografía en proceso)
Souvenirs es un archivo exhaustivo desarrollado en el tiempo, una singular ¿cartografía en proceso¿ llevada a cabo por una artista que define su actividad como de investigación social y arqueológica. Un catálogo arbitrario y subjetivo ¿tan sólo condicionado por la mirada selectora de la creadora¿, que es una acumulación de las imágenes y los encuentros cotidianos ¿no por ello menos sorprendentes¿, que surgen de las derivas que Sara Maneiro lleva a cabo por distintos espacios urbanos.
Fotografías que congelan distintos momentos de un paisaje contemporáneo que se estructura en base a modelos instables de organización y caos. La obra de esta artista venezolana, es un valioso testimonio y un documento singular del presente; un proyecto de "registro imposible" ¿por inabarcable¿ de las huellas y rastros de la civilización contemporánea. O por lo menos, de ciertas parcelas. Una mirada que se acerca a cuestiones como las de "la superproducción, el desecho, el centro y la centralidad, la segregación, o el urbanismo como fracaso¿", y que es un intento por reactivar y rehabilitar el espacio político urbano.


MATEO MATÉ. Instalación: Desubicado (2006)

Mateo Maté (Madrid, 1964. Vive en Madrid)
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha expuesto su obra de forma individual en importantes centros de Madrid, Barcelona, Múnich, Viena y Lisboa y participado en numerosas exposiciones colectivas en casi toda España, como también en Nueva York, París y Caracas.
Su obra es una suerte de cartografía de lo real, donde el lugar y lo cotidiano conforman una narración a reconstruir y en la que ausencia, memoria y emoción también forman parte de su diálogo con el espectador. En toda su obra se manifiesta una especial y cuidadosa depuración constructiva y formal que le caracteriza, singulariza y destaca.

Desubicado
Las obras de Mateo Maté son fragmentos de una "cartografía" de lo real que se materializan en soportes tan diversos como la instalación, el vídeo, la escultura, el dibujo o la fotografía. Un sutil juego entre equilibrio y desequilibrio, entre forma y mensaje, entre memoria personal y documento, que estructura cada uno de sus trabajos. Obras que son producto de un singular procedé, y que funcionan a modo de contenedores de muchos de los relatos y narraciones que conforman el singular universo poético ¿e irónico¿ de este artista. Dispositivos complejos que dan forma a un personal imaginario poblado por situaciones que aunque posibles, resultan poco probables.
Mateo Maté presenta dos proyectos en el contexto de la Bienal. Desubicado consiste en una instalación cuyo elemento central es un barco construido en madera que gira suspendido en el espacio sin un destino predeterminado; y que describe un movimiento que completa los 360 grados de un giro realizado durante un minuto. Una embarcación precaria que, siguiendo el rumbo ¿borrado¿ de una brújula, de un instrumento que ya no proporciona orientación alguna, no cesa en su trayecto mecánico a pesar de su segura "inutilidad".


Sala de Arte Contemporáneo

Vídeos de Alexander Apóstol, Sergio Brito y Javier Téllez

* Del 25 de noviembre al 10 de febrero

LA SALA DE ARTE CONTEMPORÁNEO está ubicada en el primer piso del edificio noble que alberga el Museo Municipal de Bellas Artes de Santa Cruz. Obedece a los principales arquetipos de su clase, configurándose en torno a una sala de planta rectangular, con una sólida pared central divisoria, sin elemento alguno que distorsione la contemplación de las obras a exponer. Su elegancia y amplitud, bajo un estudiado diseño de luminosidad, convierten a esta sala en un lugar referente en el horizonte artístico contemporáneo de las Islas.

ALEXANDER APÓSTOL. Triple vídeo-proyección: Hogar canario (2006)

Alexander Apóstol (Caracas, Venezuela, 1969. Vive en Madrid)
Su obra fotográfica ha sido expuesta en las Bienales de Praga, Estambul y São Paulo, entre otras, así como en museos relevantes de Latinoamérica y España, como el museo Alejandro Otero, en su país natal y el MUSAC de León. El espacio y el hombre son los ejes temáticos que, en ocasiones confrontados dialécticamente y otras elípticamente, nos transmiten las emociones e intenciones de este artista, lo que de algún modo supone también las condiciones y valores de las culturas que habitualmente no tenemos en cuenta.

Hogar canario
Apóstol muestra una instalación con tres proyecciones simultáneas de un vídeo producido de modo específico para la Bienal. Una película rodada en una piscina localizada en el Hogar Canario de Caracas; un país que se convirtió en centro tradicional de emigración de los habitantes de las islas en décadas pasadas, y que provocó que Venezuela llegase a ser conocida con el sobrenombre de "la octava isla".
Hogar Canario está protagonizado por jóvenes pre-adolescentes de origen canario que juegan peligrosamente a mantener la respiración el mayor tiempo posible bajo el agua. Las secuencias proyectadas presentan distintos momentos de una idéntica acción; el entusiasmo con que se inicia el juego, un segundo tiempo donde el ritual se problematiza mediante la aparición y desaparición constante de los rostros de los protagonistas sobre la superficie del agua en busca de aire; y una escena si cabe aún más inquietante que muestra la masa de agua con los cuerpo inmóviles ¿casi inertes¿ de los muchacho, en su esfuerzo por no consumir oxígeno y mantenerse el mayor tiempo posible sumergidos.
En un sugerente intercambio de roles, escenarios y tiempos, Apóstol reflexiona en torno a la memoria de las nuevas generaciones que ahora asisten en sus costas a algo similar a lo que pudo suceder con sus antepasados en otras playas. Un trabajo que reflexiona acerca de la cuestión migratoria, y en el que el artista enfrenta la acción inocente del juego con la angustia y el sufrimiento derivados de la supervivencia del ser humano.
La obra de Alexander Apóstol ha sido expuesta en las Bienales de Praga, Estambul y São Paulo; así como en museos relevantes de Latinoamérica y España.


SERGIO BRITO. Video-proyección: Loop (2006)

Sergio Brito (Caracas, Venezuela, 1960. Vive en Las Palmas de Gran Canaria)
Sus exposiciones individuales se han podido ver en la Sala de Arte "la Caixa" (La Laguna, Tenerife); La Gallera (Valencia); Galería Saro León (Las Palmas de Gran Canaria). Asimismo, sus instalaciones-esculturas y vídeos han participado en colectivas en Cuba, Lanzarote, Gran Canaria, Senegal, Santander, Tenerife y Valencia.

Loop
Los proyectos de Sergio Brito ¿vídeo, instalaciones, escultura y fotografía¿ están fuertemente marcados por reflexiones de carácter autobiográfico. Nacido en Venezuela, Brito emigra a una edad temprana a Las Palmas de Gran Canaria, en un trayecto inverso al que décadas atrás emprendieran muchos de los habitantes de las Islas en su éxodo hacia la búsqueda de una vida mejor, y que tuvo en este país americano uno de sus destinos más habituales. Es en esta noción de viaje "a la contra", y en la necesaria inserción posterior del individuo en un contexto que le resulta extraño ¿y para el que él es, asimismo, un elemento ajeno-, el punto desde el que se inicia la obra de este artista. Una propuesta que se interroga acerca de la posibilidad futura de una comunidad y una cultura mestiza. En la Bienal de Canarias, Sergio Brito presenta dos trabajos recientes donde el artista aborda nuevamente, y a través imágenes sencillas, el complejo conflicto de la "traducción" cultural obligada en el individuo desplazado. Como si de un bucle se tratase, el artista "da vueltas" cíclicamente en torno a preocupaciones fijas y de imposible respuesta, en un personal recorrido de búsqueda de si no todas, sí alguna de las repuestas a la difícil cuestión de los flujos de población en el paisaje contemporáneo.


JAVIER TÉLLEZ. Vídeo: El león de Caracas (2002)

Javier Téllez (Valencia, Venezuela, 1969. Vive en Nueva York)
Su trabajo suele girar en torno a lo psiquiátrico, quizá como resultado de la profesión de sus padres, y la disolución de los límites entre lo "normal" y lo patológico.
Recientemente ha sido artista en residencia del Aspen Art Museum, y ha presentado exposiciones individuales en la galería Peter Kilchmann (Zúrich, 2006), The Power Plant Contemporary Art Gallery (Toronto, 2005). Asimismo, ha participado en importantes certámenes internacionales como In_Site_05 (San Diego y Tijuana, 2005), la Bienal de Sydney de 2004 y la de Venecia de 2003.

El león de Caracas
La obra en vídeo El león de Caracas (2002) muestra un extraño cortejo de cuatro policías uniformados recorriendo una zona de chabolas de Caracas con un león disecado a hombros. Los policías avanzan lentamente a causa de la configuración del barrio a base de escalinatas que suben y bajan entre construcciones, más que en lo que normalmente entenderíamos por calles. Unos cuantos curiosos acompañan la procesión, que provoca un ligero gesto de un enfermo mental, a los sones de la famosa Popule Meus (siglo XVIII), obra del compositor venezolano José Ángel Lamas. El grupo nos recuerda las procesiones religiosas que sacan a pasear reliquias por las calles. Parecería que lo que Téllez ha creado es una narración de película muda, con los policías simbolizando el poder represivo del Estado mientras transportan un icono de la ciudad, el animal heráldico de la capital venezolana, por un escenario marginal, enfrentándose a las reacciones espontáneas de los habitantes de la zona.

(La fotografía de cuatro policías anónimos en posición de firmes junto al león disecado y que guarda relación con la performance descrita, va acompañada de un proverbio africano: "Hasta que los leones puedan crear su propio historiador la historia de la cacería glorificará solamente el cazador". El sentido real del proverbio es, sin embargo, que la historia o la política dependen siempre de su narrador/autor y el punto de vista puede hacer que una narración tenga un significado totalmente opuesto. Aquí, el león ¿símbolo de la era colonial¿ es transportado por los policías que funcionan como representantes uniformados del poder y de la ley, en lo que podría entenderse como una metáfora/comentario del artista acerca de la forma en que los políticos manejan el legado histórico de Venezuela hoy.)

Desde mediados de los noventa, Javier Téllez ha venido trabajando con frecuencia con enfermos mentales en diferentes hospitales de todo el mundo. Hijo de psiquiatras, su entorno familiar le permitió aprender cómo tratar a ese tipo de pacientes. Su práctica artística está caracterizada por unas poco convencionales colaboraciones con enfermos mentales concebidas para emplazamientos específicos. Mientras explora el espacio social de la psiquiatría y desvela sus problemas estructurales, Téllez cuestiona el poder de esos mecanismos y estudia las circunstancias vitales de los enfermos mentales, manifestando un especial interés por la relación entre normalidad y demencia y por la investigación en la historia cultural de esa relación. En sus propias palabras, las instituciones de una sociedad se reflejan en la psiquiatría, en la que tanto el poder como la exclusión están presentes.
Cynthia Krell


Sala de Arte Los Lavaderos

Intervención de Ruth Sacks y fotografías de Karina Beltrán

* Desde el 25 de noviembre hasta el 1 de diciembre (Ruth Sacks) y hasta el 10 de febrero (Karina Beltrán)

SALA DE ARTE LOS LAVADEROS. Hoy convertidos en sala de arte, los antiguos lavaderos municipales de Santa Cruz aparecieron ante la necesidad de la época de dotar a la ciudad de un lugar donde se realizaran las tareas de lavar la ropa que hasta entonces se llevaban a cabo en los barrancos del municipio. La realización de las obras estuvo sujeta a numerosas dificultades, inaugurándose los nuevos lavaderos en 1842. Situados en las proximidades del barranco de Almeida, forman un rectángulo de 45 metros, con 60 piedras de lavar dispuestas en hilera. En la actualidad, la Sala de Arte Los Lavaderos mantiene las piletas originales así como los elementos estructurales de la antigua construcción. La instalación dispone de una superficie de 300 metros cuadrados y de un patio interior al aire libre que se utiliza habitualmente para la ampliación del espacio de exposición y actividades complementarias.

RUTH SACKS. Intervención en el exterior del edificio: Artificial Moonlights (2006)

Ruth Sacks (Port Elizabeth, Sudáfrica, 1978. Vive en Ciudad del Cabo)
Licienciada en Bellas Artes por la Universidad de Ciudad del Cabo (UCT), en la actualidad forma parte del Departamento de Discurso Artístico de ese mismo centro y trabaja como crítico para varios medios nacionales.
A través de intervenciones y colaboraciones en el espacio público, investiga el espacio psicológico existente entre la vida y el arte. Su trabajo parte de experiencias familiares que transforma en situaciones desconcertantes.
Sus dos exposiciones individuales hasta la fecha, Works in Wax & Plastic (2003) y When the Inside Stays Inside (2005) se celebraron en la galería João Ferreira Fine Art de Ciudad del Cabo. Además, ha participado en varias muestras colectivas de carácter internacional.

Artificial Moonlights
La obra realizada para la Bienal de Canarias por la artista sudafricana Ruth Sacks se construye en torno a la instalación de elementos sencillos; cuatro focos de vigilancia en los ángulos exteriores del edificio de Los Lavaderos, y una escalera adosada a un muro del patio interior del edificio. Mediante la inclusión de estos objetos ajenos, "irregulares", el espacio que contiene la pieza, adquiere nuevos significados y modos de ser percibidos. Por efecto de las potentes fuentes de luz exteriores, que giran intermitentemente sobre el paisaje circundante, la arquitectura se transforma casi en fortaleza inexpugnable; y del mismo, y mediante un proceso de "conversión" parecido al descrito, el patio interior pasa a ser apreciados como un espacio completamente distinto, un lugar del que escapar¿. Un trabajo que se origina en el análisis de experiencias familiares, cercanas, y que la artista transforma en situaciones desconcertantes, casi delirantes, que son, sin embargo, la consecuencias de una intervención mínima de los espacios y los temas que abordan sus piezas.


KARINA BELTRÁN. Instalación fotográfica: Serie Apariciones: Interior, Pasaje, jardín Japonés, Carpa (2006)

Karina Beltrán (Buenavista del Norte, Tenerife, 1968. Vive en Londres)
Estudió Bellas Artes en la Universidad de La Laguna, completando su formación en el Chelsea Collage of Art and Design de Londres. Ha expuesto individual o colectivamente su obra fotográfica en Canarias y Dakar.
Con carácter general, su obra explora el concepto de aparición que escenifica tanto en espacios interiores como en la naturaleza. La presencia humana, femenina como masculina (más recientemente) dialoga, modifica o interfiere estos lugares, supuestamente neutros o vacíos de significación, involuntaria y azarosamente, sin la intención y previsión de su autora, que adopta un rol conscientemente pasivo, de testigo.

Serie Apariciones
Karina Beltrán construye en sus imágenes espacios de reflexión y "detenimiento" desconcertante protagonizados por individuos anónimos que a modo de "coreografía" posan, desde el distanciamiento, frente a la cámara de la artista. A través de una puesta en escena extrema, y de la teatralización de acciones sencillas, de ensayos que son casi un inventario de juegos perversos, estas obras alteran la percepción de los gestos más simples provocando un fuerte desasosiego en quien las contempla. Desde las piezas tempranas como Mi cuerpo jugando a morirse ¿donde la artista registraba sucesivos autorretratos con su cuerpo "inerte" sobre la nieve, o sumergido en el agua¿, hasta las imágenes más recientes de la serie Apariciones ¿protagonizadas por seres ausentes fotografiados en distintos paisajes como parques, calles o plazas desiertas¿ Karina Beltrán ha ideado un peculiar imaginario de individuos abyectos, intangibles y casi artificiales. Un paisaje que se origina en la mirada "extrañada" y curiosa de una creadora que mantiene siempre la distancia con el objeto de estudio, iniciando de este modo con los sujetos fotografiados un diálogo casi "sagrado". Propuestas con una fuerte carga preformativas que exhiben ¿desde la mirada voluntariamente desapasionada de la artista¿ muchas de las obsesiones y preocupaciones del ser humano; su soledad, aislamiento, sus temores, miedos y angustias, construyendo un particular universo poblado por seres melancólicos contemporáneos.


Casa de la Pólvora

Vídeo-instalación de Shirin Neshat

* Del 25 de noviembre al 22 de diciembre

LA CASA DE LA PÓLVORA es una construcción del siglo XVIII diseñada por el ingeniero militar La Pierre con el objetivo de levantar un almacén de explosivos. De nave rectangular, curva en los lados menores y cerrada en su perímetro por un muro de gran espesor, su puerta está cubierta con una bóveda de medio cañón. Situada en el antiguo Camino de Regla o de El Calvario, su cercanía al mar no era un circunstancia favorable, pues se convertía en blanco fácil de posibles enemigos. Por ello, a finales del siglo XVIII, se levantó un espaldón para cubrirlo de las vistas del mary del fuego que pudieran enviarle desde los barcos. Cedido por permuta al Ayuntamiento de la ciudad, ha sido restaurado y es utilizado para la celebración de diversos actos culturales.



SHIRIN NESHAT. Video-instalación: Tooba (2002)

Shirin Neshat (Qazvin, Irán, 1957. Vive en Nueva York)
La obra de esta consagrada artista se ha convertido en un fenómeno cultural. Desde 1998 ha producido una decena de vídeo-instalaciones de enorme trascendencia tanto artística como histórica. Arthur Danto calificó su obra Rapture como ejemplo de "obra maestra" del arte contemporáneo. Octavio Zaya, gran conocedor de su trabajo, comisarió en 2006 La última palabra (CAAM, Las Palmas de Gran Canaria/ MUSAC, León), la muestra y el catálogo más exhaustivos hasta la fecha de su obra fotográfica y fílmica. Su complejo trabajo aborda la situación femenina en la transformación de su país natal, y algunos aspectos controvertidos de la cultura islámica, desarrollados luego en un lenguaje desafiante y propio que cuestiona los estereotipos y contaminaciones de la propaganda occidental.

Tooba
Shirin Neshat es una artista iraní residente en Estados Unidos que se dio a conocer internacionalmente en la década de los noventa con una serie de autorretratos donde su cuerpo se presentaba parcialmente oculto por un velo, al tiempo que las partes visibles del mismo aparecían recubiertas con textos procedentes de poemas en árabe escritos por mujeres. Tooba (2002), un film presentado por vez primera en Documenta 11, continúa la serie de instalaciones iniciadas con piezas que como Turbulent, de 1998, constituyen un discurso alegórico sobre cuestiones antagónicas: entre hombre y mujer, occidente y oriente-medio, tradición y modernidad, presentadas sobre pantallas de proyección, asimismo ¿físicamente¿ enfrentadas, que obligan al espectador a realizar una operación de elección permanente entre puntos de vista contrarios sobre una misma situación. Tooba se construye sobre este mismo principio de "selección"; mostrando por una parte un jardín en el centro del cual un árbol centenario protege bajo sus ramas a una anciana con los ojos cerrados, extraña a los ruidos del mundo; y frente a ella, un grupo de hombres-religiosos que se preparan para un viaje cuyo destino final resulta ser este mismo jardín ¿alegoría universal de la tierra prometida de las culturas musulmanas y judeocristianas¿. Al final de un largo periplo, el grupo de hombres penetra en el jardín, la escena es abordada simultáneamente desde dos puntos de vista opuestos: la expectativa y la diligencia de los recién llegados, y la invasión que perturba la tranquilidad de este jardín edénico. La última escena deja al espectador a la expectativa y se abstiene de formular ningún juicio sobre una posible reconciliación final.





Castillo Negro

Instalaciones de Kendel Geers y de Salomé Cuesta y Bárbaro Miyares

* Del 25 de noviembre al 22 de diciembre

EL CASTILLO NEGRO es la segunda más importante en la defensa de la ciudad y ha experimentado a lo largo de la historia varias remodelaciones. Conocido antiguamente como Castillo de San Juan Bautista, fue edificado en 1641 debido a la presión de la política internacional: había estallado la revolución de Portugal y la Isla se encontraba indefensa. A mediados del siglo XVIII una de las partes de esta edificación de planta circular artillada y sillería volcánica de tonos grises presentaba un aspecto deteriorado debido al embate de las olas. El ingeniero y teniente coronel De los Ángeles acomete su reforma con elementos propios de la arquitectura castrense defensiva. Infrautilizado por el ejército, no fue enajenado y es cedido hasta 1948 al Cabildo de la Isla.

SALOMÉ CUESTA Y BÁRBARO MIYARES. Instalación de luz y sonido: Experiencia de relacionar luz/señal/iluminaciones (2006)

Salomé Cuesta (Valencia, 1964) y Bárbaro Miyares (Santiago de Cuba, 1959).
En 1992 participaron en la convocatoria cubana Arte Joven - Escultura'92. Desde entonces han colaborando en la producción de eventos junto al Laboratorio de Luz (Discursos paralelos. Arte Joven cubano; Límite de término; Mouvement-Inertie; Post-Pack); en la producción de textos (Cultura_responsabilidad_universidad; Enmarcando el ver / escenificando la visión); en la realización de proyectos (Del mono azul al cuello blanco. Transformación social y práctica artística en la era post-industrial; Demostrate. Rikrit Tiravanija); en proyectos de intervención (Experiencia de relacionar: ciudadano_lugar). Desde hace cinco años trabajan en nonsite, aclamada revista online.

Experiencia de relacionar luz/señal/iluminaciones
Mediante un sofisticado sistema de cámaras de vídeo-vigilancia, micrófonos ocultos e iluminación programada ¿dispositivos cuidadosamente colocados en distintos lugares del Castillo Negro, en Santa Cruz de Tenerife¿, la pareja de artistas formada por Salomé Cuesta y Bárbaro Miyares presentan, en esta primera edición de la Bienal, un proyecto concebido para este enclave arquitectónico tan significado de la Isla. La serie de imágenes que son captadas por las cámaras situadas en el perímetro del edificio ¿registros de la arquitectura que circunda el castillo, como el Auditorio o el Parque Marítimo César Manrique, junto a distintas secuencias del paisaje marítimo frente al que se erige la fortaleza¿ son transmitidas, "devueltas", al edificio de forma continua. Un movimiento en sentido inverso que redefine la función originaria para la que fue ideada la arquitectura que contiene la pieza; como enclave militar, punto de observación y vigilancia del territorio circundante. Casi como en una acción de reflejos simultáneos, que contamina el espacio interior con fragmentos de imágenes y sonidos reconocibles procedentes del exterior, la fortificación pasa a ser invadida por lo que examina, y su espacio ocupado por aquello de lo que se protege. Un recurrente cambio de sentido, de juego entre opuestos ¿interior y exterior, desconocido y amigo¿, que reflexiona acerca de la "materialización/visualización de la naturaleza imperceptible de la luz y su capacidad de devenir imagen e información".


KENDEL GEERS. Instalación site-specific: Broken English (2006)

Kendel Geers. Nació en mayo del 68.

Broken English
Broken English es el título de la intervención específica que el artista sudafricano Kendell Geers lleva a cabo en el exterior del Castillo negro en Santa Cruz de Tenerife. Un cartel de gran tamaño que se sitúa frente al mar, de espaldas al espectador, y en el que se lee la frase Not our ists, una referencia directa a la condición del territorio como punto de llegada de un número cada vez más elevado de refugiados procedentes de las costas africanas, y que, sin embargo, se presenta camuflada en un juego de palabras. Como en trabajos anteriores del artista, es precisamente esta acción de "sabotaje" del lenguaje, de apropiación, manipulación y citación, la estrategia que desestabiliza la percepción final del mensaje.
Y es que Not our ists puede ser transformado rápidamente, y por efecto de una nueva reagrupación del texto, en No tourists; una afirmación dirigida hacia el inmigrante que se acerca desde el mar. Un error tipográfico que subraya la diferente acogida a la que están expuestos los individuos en función de su procedencia y condición económica, y que en el contexto canario se presenta como una realidad extrema. Errores intencionados del lenguaje que sirven para evidenciar la situación de desequilibrio y contrastes dramáticos experimentados en el territorio, un conflicto en el que Geers ahonda desde su propia condición de africano blanco; un aspecto autobiográfico que es, asimismo, una constante en los trabajos del autor.
Kendell Geers ha participado en numerosos eventos y exposiciones internacionales. Entre sus muestras individuales recientes destacan; The forest of suicides (MACRO Museum, Roma, 2004); In the flesh (Salon 94, Nueva York, 2004); Inferno (CCA Kitakyushu Project Gallery, Japón, 2003); Terrorealismus (Migros Museum, Zürich, 2003); The Prodigal son (Goodman Gallery, Johannesburgo, 2003); o Rogue States (Stephen Friedman Gallery, Londres, 2003).

Intervenciones urbanas

Rogelio López Cuenca, instalación en diez soportes publicitarios

* Del 25 de noviembre al 5 de diciembre

Rogelio López Cuenca (Málaga, 1959. Vive en Málaga)
La obra de este artista utiliza señales de tráfico con mensajes imprevistos, carteles que mezclan la estética del realismo soviético con los símbolos del capitalismo occidental, poemas visuales poliglotas donde hay frases entresacadas de la sección de anuncios por palabras de los periódicos.
Entre sus últimas exposiciones individuales destacan: La sortie des usines (Caixaforum, Barcelona); NKTV/LNZ (MIAC, Lanzarote); ASTILHAOGRAFO (Casa de América, Madrid); El paraíso es de los extraños (Granada, Madrid y Burgos). Además, ha participado en exposiciones colectivas en Santander, Zaragoza, Barcelona, León, Barcelona, Gran Canaria, Madrid, Estambul, Nueva York, Viena, Roma, Castellón, Lima y São Paulo.

Intervenciones en soportes publicitarios
A partir de la intervención sobre los elementos publicitarios expuestos en el espacio público que forman parte de un campaña "oficial" muy presente en la memoria colectiva reciente, la obra de Rogelio López Cuenca altera el mensaje inicial para el que estos dispositivos fueron ideados mediante la sutil modificación de los temas propuestos, de los eslóganes o de sus elementos formales. Carteles "saboteados" y que son colocados en distintos puntos de Santa Cruz de Tenerife y Las Palmas de Gran Canaria. Espacios publicitarios que ahora son soporte de esos mensajes originales "revisados", y que dirigen la atención de ese espectador casual, del transeúnte, hacia temas problemáticos; cuestiones como las del deterioro progresivo del medio ambiente, o la espectacularización de la cultura. Imágenes y mensajes que, a modo de interferencias, casi imprevistos que sorprenden al ciudadano, provocan la reflexión en torno a muchas de los asuntos urgentes ¿y conflictivos- del panorama actual, pero sobre las que jamás se podría hacer, de otro modo, una campaña "oficial". A modo de operación de camuflaje, la reflexión propuesta por el artista se hace efectiva en un espacio de por sí saturado de informaciones contrarias, y en el que se hace evidente que, es quizá esta operación de interferencia sigilosa, la más "efectiva" estrategia para captar el interés y curiosidad de un posible receptor.


Intervenciones urbanas en guaguas

Graffitis de Noxer y Mosco

* Lunes 27 de noviembre

NOXER es un escritor de graffiti que nace en un área marginal del barrio de Brooklyn en los años ochenta. A pesar de su juventud, y tras una intensa actividad llevada a cabo como miembro del colectivo de graffiteros conocido con la siglas DOD, este artista se hace rápidamente un lugar entre los nombres del "hall of fame" del graffiti internacional. Un estilo directo construido a partir de mensajes contundentes y referencias a los medios de masas y la cultura popular ¿series de televisión, películas, publicidad o personajes como los Simpson o los Pitufos-; una actitud muy alejada de cualquier convención de lo "políticamente correcto"; así como estética muy personal, que roza lo guerrillero, casi militarizado, hacen que los murales y composiciones de NOXER sean fácilmente reconocibles en un paisaje urbano saturado de mensajes encontrados. Dibujos de rápida ejecución, inmediatos, y que recubren los lugares más degradados de la ciudad de Nueva York, siendo las huellas visibles que dan forma a la identidad de este gran núcleo urbano. Los dibujos y composiciones de NOXER pueden ser ahora contemplados en las guaguas de Santa Cruz de Tenerife, en lo que es una singular traducción de mensajes "extraños", y de elementos que se integran en el paisaje canario.

MOSCO es el nombre con el que se conoce a uno de los artistas del graffiti más reconocidos de la escena neoyorquina. Un "escritor" que comienza a estampar su nombre en las calles de México D.F. cuando apenas ningún rastro de la cultura graffitera había sido aun importado del país vecino. En un gesto pionero, MOSCO ¿una firma que deriva de la palabra mosquito- , se convierte en referencia para las jóvenes generaciones de artistas del graffiti mexicano. Una práctica plagada de alusiones a territorios "alternativos" de la cultura más joven, como los del skateboarding, la música punk, el hard-core, junto a fanzines y publicaciones que, como la conocida con el título de "Arte del Metro", llegarían a convertirse en textos de culto para otros muchos "escritores". Junto a artistas como Clone y Pacheco, MOSCO formará el colectivo de graffiti PGR crew -un irónico y provocativo juego de palabras que tiene su origen en el nombre del escuadrón de policía más temido de la ciudad de México D.F.-; convirtiéndose bajo estas siglas, en el primer grupo de graffiti que comience a intervenir en espacios como el del metro. MOSCO se desplazará años más tarde a Nueva York, concretamente en 1998, tras un recorrido previo por ciudades norteamericanas como Oakland, Los Ángeles y San Diego, integrándose rápidamente en el colectivo de "escritores de graffiti" más importantes de la ciudad. MOSCO se caracteriza por el estilo singular de sus piezas; "throw up". Murales de rápida ejecución, que se repiten de modo obsesivo sobre distintos espacios, configurando un paisaje que se ha convertido en seña de identidad de este núcleo urbano.


Espacio Cultural El Tanque

Instalación site-specific de Alfredo Jaar

* Del 25 de noviembre al 10 de febrero

ESPACIO CULTURAL EL TANQUE. Se trata de un depósito de combustible situado a la entrada de la ciudad que ha sido habilitada para sala de uso cultural. Obra de los arquitectos Artengo, Menis y Pastrana, fue Premio Regional de Arquitectura Manuel de Oraá en su edición 1996-97. Asimismo resultó seleccionada en Iberfad 98 y en la V Bienal de Arquitectura Española. Constituye una de las piezas industriales más emblemáticas de Tenerife con una figura principal: un cilindro gigantesco de cincuenta metros de diámetro por casi veinte de altura, al que se accede por un sistema de rampas y marquesinas construidas con los restos de otro depósito. El proyecto de reutilización de este espacio se fundamentó en la conservación del aspecto general del depósito y su actuación más relevante recae en el acceso a la sala, donde se ha construido una rampa y un porche de transición al interior. Los elementos constructivos que visten al depósito son de chapa y tubo de acero, procedentes de desguaces, como la chapa de 40 milímetros de un antiguo tanque similar al rehabilitado. Las dimensiones de este singular espacio han permitido el desarrollo de diferentes montajes artísticos no convencionales y de vanguardia, en un espacio insólito y multifuncional de gran belleza plástica.

ALFREDO JAAR. Instalación site-specific: Escalera al cielo (2006)

Alfredo Jaar (Santiago de Chile, 1956. Vive en Nueva York)
Artista, arquitecto y director de cine cuyo trabajo ha sido mostrado exhaustivamente en todo el mundo. Sus proyectos han sido objeto de importantes exposiciones individuales en el New Museum of Contemporary Art (Nueva York); Whitechapel Art Gallery (Londres); The Museum of Contemporary Art (Chicago); Pergamon Museum (Berlín); y el Moderna Museet (Estocolmo).
Ha participado en las bienales de Venecia, São Paulo, Johannesburgo, Sidney, Estambul y Kwangju, además de en la Documenta de Kassel.
Ha realizado más de 40 intervenciones públicas internacionales.
Dedicó seis años al proyecto Let there be Light, The Rwanda Project 1994-2000, comprometidocon el genocidio de Rwanda. Su trabajo más reciente se centra en Angola.


Escalera al cielo
Las instalaciones de Alfredo Jaar son complejos dispositivos ¿de imagen y sonido¿ que ahondan en las situaciones de desigualdad presentes en la sociedad contemporánea. A través del estudio exhaustivo y el contacto directo con situaciones de conflicto de países como Angola, Sudáfrica, Nigeria, Namibia o el Congo, Alfredo Jaar reflexiona en sus proyectos acerca de los estragos causados por las situaciones de extrema crueldad y violencia. En este sentido, el artista realizó durante un periodo de casi seis años, un trabajo específico sobre el genocidio de Ruanda, en el que desde una mirada muy distinta a la de cualquiera de las imágenes que sirvieron para ilustrar en los medios este conflicto, se acercaba al sufrimiento, el dolor y la muerte de los supervivientes desde una práctica que sólo puede ser calificada de subjetiva, silenciosa y profundamente respetuosa. Las miles de diapositivas de la mirada de los ruandeses, "amontonadas" en el interior del cubo blanco de la galería, presentaban un paisaje desolado, perturbando así la idea que el espectador tenía ya "asumida" sobre un genocidio cuyas imágenes habían sido tantas veces reproducidas en los medios de comunicación. Jaar, plantea en sus proyectos, la posibilidad de una mirada distinta que se aproxima a las guerras y el desastre desde un punto de vista empático, pero que, asimismo, se base en el singular compromiso que el artista establece con el territorio ¿y la población¿ objeto de sus trabajos.


OTRAS INTERVENCIONES EN TENERIFE

* Aeropuerto de Los Rodeos (La Laguna) ¿ Intervención de Juan López. Del 25 de noviembre al 5 de diciembre
El artista Juan López (Santander, 1979) realiza una intervención en los aeropuertos de Los Rodeos (Tenerife) y Gando (Gran Canaria), así como en un avión que conecta ambas terminales. La intervención lleva por título Dale espaciado+Bonus track y es una producción de la I Bienal de Canarias.

* Casa Rahn (Puerto de la Cruz) - Exposición de pintura de Fernando Álamo. Del 25 de noviembre al 10 de febrero
Fernando Álamo (Santa Cruz de Tenerife, 1952), completa su participación en esta Bienal, junto a la colectiva de La Recova, con esta exposición individual en la Casa Rahn.

* Castillo de San Felipe (Puerto de la Cruz) ¿ Instalación site-specific de José Ruiz. Del 25 de noviembre al 10 de febrero
El artista canario José Ruiz (Las Palmas de Gran Canaria, 1968) presenta su instalación denominada Migración en el interior de la fortificación portuense, invadiendo el espacio con más de quinientos cocodrilos inflables.

* Parque Hamilton (Tacoronte) y Carretera Los Abrigos-El Médano (Granadilla) ¿ Instalaciones site-specific de Juan Carlos Batista. Del 25 de noviembre al 10 de febrero
En el cruce de la carretera que va a la cueva del Hermano Pedro, en Granadilla, Juan Carlos Batista (Tenerife, 1960) instalará una escultura pública titulada Espiral aborigen, una estructura laberíntica horizontal que contrasta con el paisaje. En el Parque Hamilton de Tacoronte se exhibirá El síndrome de Estocolmo, una instalación originada a partir de un árbol y que se camufla en el entorno.





 
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